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13 ene 2024

Listening - Listening (1968)

 
Tengo una relación bastante antagónica con Rate Your Music, porque si bien, en principio podría parecer una buena idea, no lo es en absoluto y sé que aquí algunos de ustedes me podrían reprochar el hecho de que vaya a decir esto cuando tengo un blog de música, pero lo que está mal con Rate Your Music es precisamente la apertura que tiene el sitio a que cualquier persona pueda dar su opinión, y ustedes se preguntarán ¿Y qué tiene de malo que la gente pueda dar libremente su opinión? ¿No es acaso una democracia en acción? La respuesta es un rotundo NO, de hecho, para parafrasear a Platón en su "alegoría sobre la caverna", la opinión o doxa al estar basada en la creencia, la experiencia y la ilusión, no tiene un fundamento sólido y es precisamente lo que mantiene a los esclavos en su prisión, es decir, el ejercicio de opinar nos hace creer que efectivamente estamos ejerciendo algún tipo de democracia y por lo tanto, nos oculta que estamos siendo presos de creencias, ideas, ilusiones, mentiras y prejuicios sin fundamento alguno que no son más que una forma de reproducir a la ideología dominante y justificarla, y aunque esto les suene demasiado político a algunos de ustedes, la opinión es demagogia pura y no debería sorprendernos que de la opinión nazcan posturas tan despreciables y ruines como la anti-intelectualidad y el anti-intelectualismo, que aunque estén relacionadas, NO son lo mismo, pues por un lado, la anti-intelectualidad es cuando se desconfía y se niega rotundamente el ejercicio intelectual de ponerse a pensar, cuestionar y criticar, y el anti-intelectualismo es la desconfianza y el descrédito a los intelectuales, es decir, es una forma de anti-elitismo asquerosamente demagógica y populista que afirma que los intelectuales son una élite privilegiada que busca limitar nuestra "democracia" con su pensamiento y conocimiento, y es aquí donde uno debe poner a ambos como productos de la demagogia más descarada, así como cuando el escritor Isaac Asimov criticó a la sistémica ola de anti-intelectualismo que empezó en Estados Unidos en el Siglo XX, la cual solía afirmar que "mi ignorancia es igual a tu conocimiento", y la pregunta aquí es: ¿Qué tiene que ver todo esto con Rate Your Music?, la respuesta es bastante larga y compleja, por lo que esta introducción se alargará bastante:

En una serie de artículos que escribí en mi otro blog En el jardín del Guajolote pude hacer un cuestionamiento directo a los "expertos", a la tecnocratización de la industria musical y a la confianza excesiva que se les da a estos. El problema con el "experto" es que es un fetichista del conocimiento, para él lo que vale es este y nada más, tiene una excesiva confianza en la empiria y la práctica frente a la teoría, y esto le impide pensar y cuestionar tanto a sus conocimientos como a sus saberes y sus prácticas, por lo que el "experto" o "tecnócrata" también suele tener a menudo una postura anti-intelectual, ya que lo suyo no es pensar filosóficamente, sino siempre tener respuestas o en pocas palabras, el "experto" es un pervertido de acuerdo al psicoanálisis, y esto es precisamente lo que sucede con Rate Your Music, al abrir directamente sus puertas a que todo el mundo pueda opinar, dota al usuario de una confianza perversa en que todo lo que sabe y conoce es correcto, es decir, que él tiene la respuesta, entonces no es de extrañar que la misma plataforma brinde a los usuarios toda una experiencia subjetivista y que a la hora de que los usuarios sean cuestionados, justifiquen sus errores con falacias, pseudo-argumentos subjetivistas o relativistas o con la estupidez de "es mi opinión, respétala", no debería sorprendernos que muchas de las reseñas de discos raros, que se supone que están hechas por coleccionistas con amplias colecciones de discos, siempre tengan errores garrafales a la hora de etiquetar la música, ya sea con etiquetas completamente fuera de lugar o con otras basadas en los propios prejuicios de los usuarios, un ejemplo notorio es este disco de los bostonianos Listening, al que en dicha página se le suele etiquetar de "rock progresivo" o "proto-progresivo" y hasta hay gente que atrevidamente lo ha llegado a comparar con los grupos británicos del género, todo esto bajo la excesiva confianza de que sus sentidos les darán la respuesta correcta, y es aquí donde vale la pena citar al filósofo francés Gilles Deleuze cuando dijo que "los argumentos de la propia experiencia privilegiada son argumentos malos y reaccionarios" y esto es precisamente cierto cuando se les da una excesiva confianza a nuestros propios sentidos, como si se tratasen de herramientas infalibles para conocer y entender al mundo, cuando de hecho, son todo lo contrario, y aunque esto suene político, aquí su universalidad es aplicada a la música, pues escuchar música no es simplemente una práctica que implique directamente al oído, sino que implica también hacer un ejercicio intelectual y crítico que va más allá de lo que nuestros sentidos puedan decirnos.

Lamentablemente la información sobre Listening es de escasa a una en la red, lo que sí sé es que se formaron en Boston en 1967 por el virtuoso tecladista, vibrafonista, compositor y cantante  Michael Tschudin, el baterista y cantante Ernie Kamanis y el bajista Walter Powers, más tarde completaría la formación el guitarrista Peter Mallick (más conocido por ser un guitarrista de blues que formó parte de la banda de Otis Spann), durante su breve existencia que duró hasta 1969, el grupo fue uno de los más destacados de la escena de Boston junto con Ultimate Spinach, Ill Wind, The Freeborne, Beacon Street Union, Earth Opera, Ford Theatre, entre otros, y en 1968 lanzaron su debut y único disco titulado homónimamente del que hoy estamos hablando.

Listening es una obra que es uno de los mejores ejemplos de la psicodelia bostoniana, precisamente porque muestra la enorme diferencia que había entre la escena de Boston con las de San Francisco, Los Ángeles, Texas y Detroit, y es que los grupos de Boston se dedicaron más que nada a crear una psicodelia mucho más trabajada y cerebral en cuanto a las melodías y la ejecución, contrastando con lo garagero de Texas, lo crudo y pesado de Detroit y la enorme influencia del folk y el jazz que tuvieron las escenas californianas, y es por eso que Listening suenan tan finos y sesudos al mismo tiempo, igualmente cabe destacar su eclecticismo que iba del heavy psych al pop psicodélico jazzeado y de la psicodelia con tintes latinos al rock ácido, sin tener que caer en barroquismos fuera de lugar o en experimentación excesiva y carente de dirección, igualmente cabe destacar que la ejecución de la banda es magistral, por lo que tenemos un disco muy completo y creativo que definitivamente está entre los mejores que he escuchado de la psicodelia gringa en general.

El disco comienza con You're Not There, una canción de heavy psych un tanto dramático muy típico de la época que me trae a la mente a muchas bandas, entre ellas a una rarísima originaria de Indianapolis, Indiana llamada Brand X que solo sacó un sencillo en 1970 con un par de refritos, entre ellos el de Come On Home del grupo de garage rock pre-Aorta The Exceptions, pero con la diferencia de que Listening sí componían sus propias canciones y además lo hacían de manera extraordinaria, ya que noto bastante elaboración sin caer en ningún vicio de la época, igualmente cabe destacar que el trabajo de órgano es espléndido, la sección rítmica cuadrada y con mucha fuerza, básicamente la encargada de darle la pesadez a la canción y por supuesto no puede faltar la guitarra psicodélica en el solo. Espléndida apertura y como dato extra, esta canción fue versionada por el grupo neoyorkino de heavy psych Odyssey en su debut y único disco de estudio titulado Setting Forth, editado tan solo un año después.

Le sigue Laugh At The Stars, que contrastando con el heavy psych de la canción anterior, aquí tenemos un delicado y fino pop psicodélico con tintes barrocos, excelentes armonías vocales, enormes cantidades de hammond y clavecín y la guitarra psicodélica obligatoria, esta canción es un excelente ejemplo de cómo la escena de Boston, en contraste con las de San Francisco, Los Ángeles, Texas y Detroit, tuvo un sello mucho más fino y enfocado a la cerebralidad melódica. Extraordinario.

El pop psicodélico fino sigue en 9/8 Song, pero esta vez combinado con algo de cool jazz, y aunque aquí no hay guitarra eléctrica, sí hay acústica, y en lugar de hammond, hay piano y vibráfono. El cruce perfecto entre The Freeborne, los Spiders y Bob Smith. Belleza.

Stoned Is es el clásico indiscutible de la banda, ya que se trata de su canción más conocida y además de todo, estamos ante uno de esos temas obligatorios para todo el que se diga fan o hasta "conocedor" de la psicodelia, pues es un tema de rock ácido con una sonoridad exquisitamente "pacheca" como diríamos aquí en México, en donde la mezcla de hammond con guitarra se encargan de darle toda esa sonoridad psicodélica tan especial así como la voz que me recuerda a Girl de los Beatles por los sonidos de inhalación. Obra maestra.

Forget It, Man! Es psicodelia más estándar que me recuerda a Lee Michaels (Carnival of Light) en sus momentos más ácidos por su combinación de órgano hammond con clavecín. Excelente.

I Can Teach You es rock ácido souleado con una ocasional sección de metales, un trabajo magistral de teclados y de nuevo, esa infaltable guitarra psicodélica en el solo. Excelente.

Volvemos al pop psicodélico en So Happy, que a mí en lo personal me suena a una combinación entre The Lovin' Spoonful, Love y los Cowsills que incluye un solo de guitarra que me suena al mejor Armando Nava en el Cambia, cambia. Este es el tema más "comercial" de todo el disco, pero no por eso carente de calidad, ya que este tema es también espléndido.

Cuando es un tema muy curioso e interesante que suena muy similar a lo que ya hacían en ese tiempo los angelinos Sweetwater con su combinación de pop psicodélico con elementos latinos y barrocos así como también vuelvo a notar que se adelantan tanto al sonido de Bob Smith en su obra maestra The Visit de 1970 como a la época de War con Eric Burdon y por si no fuera poco, incluyen una pequeña parte de letra en Español, que a pesar de que no está tan bien pronunciado, se agradece que lo hicieran. Espléndido.

Baby: Where Are You? Es tal vez el tema que más me recuerda a San Francisco, particularmente a Quicksilver Messenger Service, es decir, es un tema de rock ácido, aunque también cabe destacar que es probablemente una de las más psicodélicas del disco junto con Stoned Is y See You Again, porque incluye partes atascadas de phaser, incluyendo un breve solo de batería y por si no fuera poco, también incluye interludios jazzísticos que de nuevo me traen a la mente a sus contemporáneos The Freeborne o a los Spiders de mi país. Obra maestra.

Fantasy es un breve interludio de teclados con un sonido bastante tenebroso, pero que muestra la maestría de Michael Tschudin como tecladista.

El disco cierra con broche de oro con See You Again, un tema de puro rock ácido guitarrero, enérgico hasta la médula y aunque prácticamente no tenga letra alguna, el hecho de que Michael Tschudin esté repitiendo una y otra vez el título de la canción como si se tratase de un mantra, se me hace algo tan bellamente típico de la época y por si no fuera poco, esta canción tiene un solo de bajo y otro de batería. Otra obra maestra.

Si eres fan de la psicodelia gringa como yo, este disco es de escucha obligatoria, pues junto con los álbumes de Ill Wind, Ultimate Spinach, The Freeborne, Beacon Street Union, The Fort Mudge Memorial Dump, The Art of Lovin', Ford Theatre, Earth Opera, entre otros, este es uno de los mejores trabajos hechos de Boston, Massachusetts y uno de los mejores de toda la psicodelia gringa.

6 ene 2024

The Conqueroo - From The Vulcan Gas Co. (1987)

 
Muy feliz y próspero 2024 tengan todos ustedes, la razón por la que no pude actualizar el blog en las últimas semanas del 2023 fue porque intenté aplicar mi viejo modelo de trabajo bloggero en el que solía planificar todo desde una semana antes de publicar algo, y podía hacer eso precisamente porque antes solía invertir bastante tiempo en escuchar música, y por lo tanto, a la hora de seleccionar el disco semanal, podía darme el tiempo de ir escribiendo la reseña en el transcurso de la semana y además, de subir el disco, ahora, lamentablemente eso ya no funciona para mí, porque generalmente estoy ocupado en otra cosa y el tiempo ya no me rinde para trabajar como antes, por lo que hice el intento desesperado de crear dos encuestas para que ustedes, los lectores, votaran el disco de la semana, pero lamentablemente tampoco funcionó para mí, ya que eligieron un disco que no había escuchado lo suficiente como para reseñarlo, por lo que decidí descansar de mis esfuerzos en vano y por lo tanto, si no hubo post navideño, tampoco hubo de fin de año, y ahora que Enero está empezando, una de mis metas es precisamente volver a dedicarle tiempo a la música con el fin de hacer que esto vuelva a funcionar y además, hacer que la bonita tradición bloggera de subir piratería con extensas reseñas no muera.

The Conqueroo fue una de las primeras bandas psicodélicas en surgir del estado de Texas junto con los 13th Floor Elevators -que también eran de Austin-. Formados a fines de 1965, tomaron su nombre de una frase de la icónica Hootchie Cootchie Man del gran Muddy Waters ("John, the conqueror root"), pero con una deformación y su primera alineación estuvo conformada por Powell St. John -un personaje mítico porque justamente también colaboró como compositor con los 13th Floor Elevators- en la voz, armónica y kazoo "electrificado", el bajista Ed Guinn, el guitarrista Bob Brown y el baterista Tom Bright. The Conqueroo serían uno de los 2 grupos que aparecieron en el primer cartel musical psicodélico de Texas que data de Enero de 1966 y pronto el grupo se convertiría en uno de los más destacados e importantes de la escena, al punto que sería también uno de los grupos que inauguraron el Vulcan Gas Company -la primera sala de conciertos psicodélica de Texas- en 1967.

A pesar de la importancia capital y su prestigio como grupo, Texas siempre ha sido un estado conservador y retrógrada, y cuando la contracultura llegó a dicho estado, la primera reacción que hubo fue que aquellos greñudos con ropas coloridas, que tocaban música "rara" y consumían sustancias ilícitas, eran una "amenaza comunista en contra de los sagrados valores cristianos", por lo que grupos como los 13th Floor Elevators, The Conqueroo, Shiva's Headband, Red Krayola, The Golden Dawn, Bubble Puppy, entre otros, terminaran siendo perseguidos por la policía local, así como también los hippies locales terminaron siendo perseguidos o en reprimendas policiacas de manera idéntica a lo que sucedió en México después del Festival de Avándaro, cuando llegaba la tira a acabar con las tocadas en los hoyos fonquis y arrestaban a los hippies para raparlos y hasta tirarlos en lugares abandonados o meterlos presos, lo que provocó que The Conqueroo fuese un grupo inestable en cuanto a su alineación, pues por ejemplo, Powell St. John no pudo ser un miembro de tiempo completo y terminó emigrando a San Francisco, California a formar el grupo de blues Mother Earth, por lo que fue reemplazado por el guitarrista Charlie Prichard, igualmente el baterista Tom Bright terminaría saliéndose en el otoño de 1967 y sería reemplazado temporalmente por Daryl Rutherford que se saldría en 1968 para ser reemplazado por el baterista de jazz Gerry Storm -quien había estado con The Blue Crew-, sin embargo, tampoco duraría mucho, pues el grupo estaba cansado y atemorizado de terminar encarcelados o metidos en un hospital psiquiátrico como le pasó a su amigo Roky Erickson, por lo que decidieron partir a San Francisco, California y ahí conocieron al baterista Alvin Sykes, que los acompañó hasta su separación en 1970, y a pesar de que parecía prometedor su futuro ahí, terminó siendo un fiasco, pues lo que pudo haber sido su tocada para darles notoriedad terminó siendo un fiasco que les brindó mala reputación y por si no fuera poco, el grupo fue numerosas veces asaltado por los delincuentes del barrio en el que vivían, robándoles todo su equipo, cosa que finalmente hizo que terminaran separándose en 1970 en términos amigables, no obstante, Bob Brown formaría a una nueva encarnación del grupo en 1973 con la que se regresaría a Austin, Texas, pero de nuevo, la mala suerte les jugó en contra, pues el Vulcan Gas Company no existía más desde Agosto de 1970 y el Armadillo International Headquarters era un recinto más orientado al country rock que a la psicodelia, por lo que el grupo pronto tuvo que cambiar de nombre y de estilo, haciéndose llamar Texoid y tocando un soft rock al estilo de Steely Dan, cosa que no terminaría de cuajar y que finalmente aburriría a Bob Brown, quien terminó dándole fin al grupo a fines de los 70's.

From The Vulcan Gas Co. es una recopilación editada en 1987 por la disquera 5 Hours Back, la cual está conformada por diversas grabaciones del grupo hechas entre 1967 y 1968, entre ellas las 3 canciones de la autoría del bajista Ed Guinn que se grabaron en los estudios Pacific High Recording de San Francisco, California en 1968 que abren el álbum, el sencillo de 1968 grabado para la disquera texana Sonobeat en vivo desde el Vulcan Gas Company y otras grabaciones en directo que fueron grabadas en distintas fechas, cosa que hace de este disco algo muy completo e interesante para los que en verdad quieran conocer la psicodelia texana y a sus grandes exponentes.

El estilo de The Conqueroo se podría definir como un cruce entre el sonido texano y el sanfranciscano, pues por un lado tenemos ese sonido crudo y garagero pero siempre lisérgico que los relaciona con otros grupos texanos de la época como los 13th Floor Elevators, The Golden Dawn, Shiva's Headband, los Moving Sidewalks y American Blues, y por el otro tenemos los largos y ácidos jams guitarreros con bases de blues, folk, rhythm and blues y jazz que los conecta con grupos como Linn County, Mad River, Frumious Bandersnatch y Quicksilver Messenger Service, por lo que podríamos decir que The Conqueroo fue un grupo distintivo para la escena de Austin, Texas y es una lástima que al tener que huir a San Francisco debido al autoritarismo texano, no hayan pegado ahí, teniendo en cuenta que por su estilo, pudieron haberse vuelto muy populares en dicha escena al igual que A.B. Skhy, Linn County, Mad River, Devil's Kitchen o H.P. Lovecraft, grupos que ni siquiera eran originarios de California, pero que una vez que se instalaron en San Francisco, lograron gozar de bastante popularidad local.

El disco empieza de manera guitarrera con Passenger, la cual fue grabada en 1968 en los estudios Pacific High de San Francisco, con el nuevo baterista Alvin Sykes, y es notoria la influencia sanfranciscana, pues la composición me recuerda a Linn County y su rock ácido blueseado y souleado, mientras que la guitarra suena más al gran Stacy Sutherland en su momento más creativo (Easter Everywhere, Bull of The Woods) y la voz es una especie de cruce extraño entre Lawrence Hammond de Mad River y Spencer Perskin de la Shiva's Headband. Temazo.

Otro tema grabado en San Francisco es Banana and The Cat y que de nuevo, suena a cuánto absorbieron la influencia local, pues esta vez suenan a un cruce bastardo entre Mad River, los 13th Floor Elevators y los Mothers of Invention, pues se trata de una composición un tanto sombría y algo disonante que bien pudo haber estado en el primer disco de Mad River o en el Freak Out! de Frank Zappa. Extraordinario.

Words Are Not as Strange es otro de los temas grabados en San Francisco, esta vez es un blues lento de corte psicodélico, más deudor del blues de Chicago que del de Texas a mi parecer, pero con una omnipresente guitarra psicodélica.

1 to 3 vuelve al rock ácido guitarrero, esta vez con una grabación en vivo en el Vulcan Gas Company en 1968, y es un gran ejemplo de la gran energía que tenía la banda en sus directos, donde también hacían largos jams lisérgicos, haciendo eco de grupos sanfranciscanos como Quicksilver Messenger Service, Frumious Bandersnatch, Moby Grape, Jefferson Airplane, entre otros. Obra maestra.

Walking Blues de Robert Johnson ha sido versionada por miles de artistas y grupos, pero las versiones más memorables e interesantes son las de la Paul Butterfield Blues Band, Quicksilver Messenger Service y esta de The Conqueroo, que a pesar de que no sonó tan psicodélica como las otras, los arreglos son interesantes y la ejecución excelente.

Midnight Hour es una versión de In The Midnight Hour de Wilson Pickett, la cual es una de las canciones más texanas del disco, curiosamente, porque los arreglos me recuerdan muchísimo a los 13th Floor Elevators y su Monkey Island, e incluso la guitarra me suena a ese primer Stacy Sutherland tan influenciado por el surf y el rhythm and blues. Espléndida.

Con I've Got Time de nuevo estamos frente a un tema de rock ácido bastante largo y guitarrero, con una duración de más de 8 minutos, que me recuerda muchísimo a los Them y su obra maestra Time Out, Time In For Them! de 1968, aunque también noto ecos de la ruidosa guitarra de James Gurley de Big Brother and The Holding Company. Obra maestra.

Get Out of My Life, Woman es uno de los estándares del rhythm and blues más versionados de la historia y que tuvo un especial cariño entre las bandas psicodélicas gringas, destacando especialmente a Iron Butterfly, quienes versionaron la canción en su debut Heavy de 1968, y aquí The Conqueroo hicieron otra versión, que suena más a rock ácido blueseado. Esta canción fue grabada en el mismo concierto que la anterior. Espléndido.

I Think About It se supone que fue grabada en vivo en el Vulcan Gas Company en 1967 o 1968, aunque curiosamente, tiene una mejor calidad de sonido que las anteriores. Aquí el grupo aún no sonaba tan sanfranciscano y más bien sonaba a un típico grupo texano de garage rock psicodélico, aunque con un énfasis mayor en la guitarra que otros de sus contemporáneos. Excelente cierre.

En una carpeta extra puse las versiones del sencillo de Junio de 1968 para Sonobeat Records de I've Got Time y 1 to 3, que según están grabadas en vivo en el Vulcan Gas Company, pero en realidad ese recinto simplemente fue usado como estudio temporal para grabar este sencillo, de ahí que la calidad de sonido sea muy superior a la de las versiones del LP. También cabe destacar que son versiones mucho más cortas que las presentes en el LP, que esas definitivamente sí fueron grabadas en vivo, de ahí que la calidad de sonido deje tanto que desear.

Aunque sea un disco un tanto inconsistente en general, ya que se trata de una recopilación construida desde distintas fuentes y por lo tanto, la calidad de audio varíe muchísimo, las canciones en general son excelentes y la interpretación del grupo es enérgica y llena de vida, aunque eso sí, me atrevo a decir que en las cuestiones creativas no lograron estar al mismo nivel que los 13th Floor Elevators o que los grupos sanfranciscanos de la época, no obstante, From The Vulcan Gas Co. es un documento muy interesante y totalmente recomendado para los fanáticos de la psicodelia gringa.

14 dic 2023

H.P. Lovecraft - Dreams In The Witch House: The Complete Philips Recordings (2005)

 
Muy buenas tengan todos ustedes, ya ha pasado más de un año que no he publicado nada tanto por la versión original de Blogger como por la extensión de Wix y lamentablemente las circunstancias jugaron más en mi contra que a mi favor y es que por un lado, no pude encontrar la inspiración para ponerme a escribir algo bueno, aunque lo intenté varias veces, siempre con resultados a medio hacer y que no me terminaban de convencer, igualmente a principios de año, mi viejo disco duro dejó de funcionar, por lo que perdí mucha música que hasta la fecha no he podido recuperar del todo, y eso también hizo que el tiempo que solía invertir en escuchar música se redujera considerablemente, además de que con el fin de la pandemia, he tenido la oportunidad de salir más a menudo y eso me ha restado tiempo, pero por si no fuera poco, mi computadora que compré justo antes de que el COVID-19 llegara a México, empezó a fallar y eso se debió a la tarjeta base, cosa que me costará algo de dinero arreglar, ya que las tarjetas base no son precisamente muy baratas que digamos, pero al menos es algo que se puede cambiar, por lo que tengo que usar una MacBook vieja y desactualizada de mi mamá, que sí, a pesar de que me ha complicado ciertas cosas, pues es lo que tengo y con esto estoy trabajando, por lo que a pesar de todo lo que podría tener en contra mía, tendré que ingeniármelas para poder actualizar el blog de manera más constante.

Los orígenes de H.P. Lovecraft datan desde 1966, cuando el cantante de folk George Edwards fungía como uno de los cantantes de sesión de la disquera Dunwich, Edwards ya tenía experiencia al ser un trovador bastante nómada al estar rondando por Chicago, California y Florida, y ya había tenido al menos un sencillo que no tuvo ningún éxito, no obstante, grabó un nuevo sencillo con los músicos del grupo de garage rock local The Rovin' Kind y además de todo se le unió su viejo amigo Dave Michaels, un cantante entrenado en bel canto con un poderoso rango de 4 octavas y registro de tenor lírico ligero, a quien conoció mientras tocaba en un trío de jazz y lounge que tocaba en un Holiday Inn de Chicago.

El sencillo salió bajo el alias de H.P. Lovecraft en lugar de salir como un sencillo de George Edwards, gracias a que los dueños de la disquera eran admiradores incondicionales del trabajo del escritor de terror Howard Phillips Lovecraft e incluso la disquera Dunwich se llamó así gracias a un cuento de Lovecraft. Edwards y Michaels, entusiasmados por el nombre y porque la familia del escritor autorizó que lo usaran, decidieron formar una banda estable con el nombre y en Marzo de 1967 hicieron las audiciones para reclutar a los miembros, que resultó en el reclutamiento del guitarrista Tony Cavallari, el baterista Mike Tegza y el bajista Tom Skidmore, quien no duró mucho en la alineación y fue sustituido por Jerry McGeorge, quien había sido uno de los guitarristas del grupo de garage rock los Shadows of Knight, por lo que pronto, con George Edwards y Dave Michaels como las fuerzas creativas del grupo, empezaron a desarrollar una mezcla de folk rock con psicodelia, con un repertorio que consistía en composiciones originales y refritos de canciones tradicionales de folk. El sonido de la banda estaba marcado por las armonías vocales de George y Dave, quienes hacían un trabajo que recordaba al de Jefferson Airplane, así como también su folk rock psicodélico recordaba a aquella banda sanfranciscana y fue a mediados de 1967 cuando entraron al estudio a grabar su primer disco de larga duración, que llevaba un título homónimo y salió al mercado hasta Octubre de ese año, y aunque el disco no tuvo gran éxito en las listas de popularidad nacionales o internacionales, sí logró bastante popularidad en Chicago, San Francisco y Los Ángeles, al punto que H.P. Lovecraft tuvieron que hacer una gira por la costa oeste y pronto se convirtieron en uno de los grupos preferidos de los hippies californianos.

Una vez bien consolidados como un grupo relativamente popular en la costa oeste de Estados Unidos, también tuvieron que hacer una gira por la costa este, tocando en el Boston Tea Party de Boston, el Electric Factory de Filadelfia y el Café Au Go Go de Nueva York, donde alternaron con Blood, Sweat and Tears. Al cumplir con las giras, se reestablecieron en Marin County, California en Febrero del 68 y pronto tuvieron que seguir tocando en el Fillmore y el Winterland con Traffic, así como también en el coliseo Utah State Fairgrounds de Salt Lake City con los Youngbloods y Buffalo Springfield, en el Whisky A Go-Go con Colors y en Palm Springs con la banda de blues de James Cotton.

Después de 8 semanas de haberse mudado a California, Jerry McGeorge se salió del grupo y apareció con ellos por última vez en sus conciertos en el Kaleidoscope de Los Ángeles en los días del 12 al 14 de Abril del 68 y en su lugar entró el bajista Jeffrey Boyan, quien había estado en otra banda de su natal Chicago, Illinois llamada Saturday's Children y eso sirvió como un gran cambio, ya que Boyan era un bajista mucho más completo que McGeorge y además también cantaba, y así H.P. Lovecraft logró alternar con grupos como Jefferson Airplane, y la magia de esta alineación logró capturarse por primera vez en el disco en vivo Live May 11, 1968 que salió hasta 1991 por Sundazed en Estados Unidos y Edsel en Inglaterra.

En Junio de 1968 fue hora de grabar un nuevo álbum y para eso se trasladaron a Los Ángeles, para grabarlo en los estudios I.D. Sound, la producción del disco estuvo a cargo de su representante George Badonsky y la ingeniería por el británico Chris Huston, quien fue parte fundamental para el disco, ya que la banda había estado extremadamente ocupada en las giras y no tenían material nuevo para grabar, por lo que Huston les ayudó a componer e improvisar en el estudio, así como también fue quien añadió los efectos psicodélicos al disco, y así el grupo pudo completar H.P. Lovecraft II, salido en Septiembre del 68, disco que mostró una expansión creativa del grupo, no obstante, el disco volvió a tener ventas muy bajas como para entrar en las listas nacionales y eso provocó que Dave Michaels se saliera del grupo a fines de ese año y finalmente H.P. Lovecraft se separaran definitivamente en Enero de 1969.

Michael Tegza se fue a tocar con Bangor Flying Circus, grupo con el que logró sacar un disco en 1969 y luego se reunió con George Edwards, quien había vuelto a ser un trovador y además, ya tocaba con su nombre real, Ethan Kenning, y formaron a Lovecraft, quienes sacaron un solo disco en ese año titulado The Valley of The Moon, el cual, suena a una psicodelia más estándar y menos compleja que la de H.P. Lovecraft, además de tener las típicas tendencias al funk y al country rock de la época. Tegza volvería a formar una nueva versión del grupo llamada Love Craft, que sacó un disco en 1976 y esta versión tocaría funk. Igualmente George y Dave se suelen juntar a menudo para tocar juntos.

Dreams In The Witch House: The Complete Philips Recordings es una recopilación editada por Rev-Ola en el 2005, la cual recopila todas las grabaciones del legendario grupo chicagüense para Dunwich Records, incluyendo el sencillo que grabó George Edwards en 1966 bajo el pseudónimo de H.P. Lovecraft y los dos álbumes lanzados en 1967 y 1968 respectivamente.

El disco abre con Wayfaring Stranger, una canción tradicional de Estados Unidos que data del siglo 19, sobre un alma quejumbrosa hablando sobre su vida, el autor de la letra en Inglés es completamente desconocido, no obstante la melodía data de 1666 y fue compuesta en Alemania con el nombre de Ich bin ja nur ein Gast auf Erden y su letra original estaba basada en los salmos 39:12 y 119:19 de la Biblia. La letra en Inglés (Wayfaring Stranger) fue publicada por primera vez en 1858 en una colección de himnos y canciones espirituales de Estados Unidos hecha por Joseph Bever, y un dato curioso es que Wayfaring Stranger fue conocida como "el himno de la prisión Libby", ya que un soldado agonizante prisionero en Libby, escribió la letra en la pared de su celda. Por otro lado, la música es folk rock psicodélico, muy similar a lo que ya hacían Jefferson Airplane. Temazo.

Let's Get Together es uno de esos himnos hippies de toda la vida... Al menos para los gringos, ya que en México no pegó, pero como sea, Let's Get Together ha sido versionada cientos de veces, pero podemos destacar entre sus versiones a las de los Youngbloods, The Yankee Dollar, los Dave Clark Five, los We Five, Jefferson Airplane, la de su autor Dino Valenti y la de H.P. Lovecraft, quienes grabaron una versión más alegre y con una instrumentación más compleja al incluir flauta, órgano Farfisa y la típica instrumentación de rock, así como las armonías vocales de Edwards y Michaels. Excelente.

I've Been Wrong Before es otro cover, esta vez de Randy Newman y está hecho en clave de una refinada y pausada psicodelia que incluye flauta dulce, órgano y un final con timbales, además de las exquisitas armonías vocales. No dudaría que esta fuese una influencia importante en los Spiders. Extraordinaria.

Drifter vuelve a sonar a Jefferson Airplane, es decir, es un tema más rocanrolero y enérgico que los anteriores, que además incluye más adornos de guitarra y las armonías vocales recuerdan todavía más a las de Grace Slick, Marty Balin y Paul Kantner, y lo mismo se podría decir de The Bag I'm In, que cabría destacar que ambas canciones son refritos de los cantantes de folk Travis Edmonson y Fred Neil, admirados por George Edwards y Dave Michaels. Temazos.

The White Ship es probablemente la obra maestra del debut y una de las obras más acabadas del grupo, por lo que no es de sorprenderse que esta fuese la canción que cautivó a los hippies californianos en el otoño de 1967, pues se trata de una canción basada en el cuento corto el Barco Blanco del escritor H.P. Lovecraft y que musicalmente es una exquisitez sonora, pues se trata de un tema compuesto a ritmo de bolero español y lleno de barroquismo, con una rica instrumentación que incluye campanas, órgano, un drone de feedback guitarrero, clarinete y clavicordio, además de las acostumbradas armonías vocales de George y Dave que son oro molido, poniendo a H.P. Lovecraft en el nivel de cualquiera de los grandes grupos de San Francisco y de Boston.

Country Boy & Bleeker Street es otro refrito de Fred Neil y que vuelve al rock ácido guitarrero de Jefferson Airplane, aunque esta vez me recuerda más al After Bathing At Baxter's que al Surrealistic Pillow o el Takes Off. Temazo, especialmente por las armonías vocales.

The Time Machine es un vaudeville psicodélico con Dave Michaels en la voz principal, la música en general me recuerda a muchas bandas de la época, entre ellas a The United States of America, los Beatles, los Animals, The Freeborne y a Mount Rushmore, quienes grabaron temas de corte similar. Espléndido.

That's How Much I Love You, Baby (More or Less) es otro refinado tema de suave psicodelia jazzeada, en el que de nuevo noto ecos de The Freeborne, quienes también tenían mucha influencia del jazz. Extraordinario.

Gloria Patria es básicamente un canto gregoriano en Latín y de nuevo, el grupo muestra sus capacidades tanto vocales como musicales, estando por encima del promedio. Excelente cierre.

H.P. Lovecraft II abre con Spin, Spin, un tema del cantautor de folk Terry Callier, que parece una combinación entre Jefferson Airplane y Sixto Rodriguez pero con mayor finura por su instrumentación que incluye piano y arreglos de cuerda a cargo de Dave Michaels. Espléndido.

It's About Time es otro tema de Terry Callier y al igual que el anterior, el sonido de Jefferson Airplane sigue presente, pero esta vez se hace mucho más complejo y con reminiscencias del Pink Floyd de Syd Barrett (Interstellar Overdrive) y de los largos jams de Quicksilver Messenger Service (The Fool, Calvary), así como también hay arreglos de cuerdas que también recuerdan a los Moody Blues y a The Mandrake Memorial, además de efectos electrónicos, mostrando que el grupo podía hacer cosas bastante complejas pero bien hechas, sin caer en los excesos incoherentes en los que ocasionalmente podían caer grupos como Vanilla Fudge o algunos grupos británicos de rock progresivo. Obra maestra.

Blue Jack o' Diamonds es folk psicodélico de la autoría del nuevo bajista Jeff Boyan, quien reusltó ser un excelente bajista, un buen cantante y un excelente compositor también, la canción tiene reminiscencias medievales y un excelente solo de clarinete tocado por Dave Michaels. Obra maestra.

Electrallentando es una composición de George Edwards, pero esta vez tiene un caracter más experimental y psicodélico, aunque conservando sus raíces en el folk, por lo que este tema es mayormente acústico, con excepción de los arreglos de órgano, piano, e igualmente tiene campanas tubulares de cristal, timbales y está lleno de efectos psicodélicos que recuerdan a las mejores obras de Ultimate Spinach. Obra maestra.

At The Mountains of Madness probablemente sea una de las pocas y primerizas obras del space rock gringo junto con May The Circle Remain Unbroken de los 13th Floor Elevators, lanzada un año después, además de mostrar una notoria influencia de Syd Barrett (Interstellar Overdrive, Astronomy Domine) y del material más psicodélico de Jefferson Airplane (The House at Pooneil's Corners) con el extenso uso del feedback guitarrero por parte de Tony Cavallari y de los efectos psicodélicos por parte de Chris Huson, igualmente las armonías vocales suenan mejor que nunca y la batería es toda una chingonería. Una obra maestra sin dudarlo y una de las piezas más psicodélicas de toda la historia.

Moebius Trip es probablemente la canción que más recuerda al debut, por su fina y sofisticada tendencia jazzística que recuerda a That's How Much I Love You, Babe (More or Less), aunque con la diferencia de que suena mucho más psicodélica gracias a Chris Huson. Temazo.

High Flying Bird es un clásico sesentero que fue versionado infinidad de veces, pero las versiones que más destaco son las de Ill Wind, Jefferson Airplane, los Wizards from Kansas y la de H.P. Lovecraft, la cual está a cargo de Jeff Boyan en la voz principal, demostrando de nuevo que es un muy buen cantante. Temazo.

Nothing's Boy es una pieza experimental y terrorífica muy corta que da paso a Keeper of The Keys, una canción del dúo de folk rock Brewer & Shipley, la cual está tocada a modo de un medio tiempo muy contundente y aquí Dave Michael es el cantante principal. Temazo y un excelente cierre.

De temas extra tenemos el primer sencillo lanzado con el nombre de H.P. Lovecraft, que está lejos de sonar psicodélico, pero definitivamente son canciones de folk rock de muy alto calibre y que ya muestran chispazos de lo que se convertiría el grupo posteriormente, igualmente viene las versiones del sencillo de The White Ship y Keeper of The Keys.

H.P. Lovecraft es un discazo que a pesar de que por momentos suena mucho a Jefferson Airplane al punto de sonar como una copia, lo que irónicamente, los hace más originales de lo que muchos podrían pensar -lo que realmente es la "originalidad" es aquello que se apega a sus orígenes y H.P. Lovecraft definitivamente suenan como Jefferson Airplane, e incluso Dave Michaels tiene un registro muy andrógino que notoriamente suena como Grace Slick por momentos-, es un disco excelente en general y un excelente comienzo para una de las bandas psicodélicas más importantes de Estados Unidos, no obstante, la obra maestra del grupo es su segundo disco, H.P. Lovecraft II, por su experimentalidad y por la calidad de las canciones que definitivamente fueron un avance creativo importante para la banda, creando así uno de los mejores discos psicodélicos de la historia, igualmente cabe destacar que en este segundo disco, Dave Michaels ya no suena tanto a Grace Slick, por lo que ambos están completamente recomendados.

13 dic 2023

OutsideInside Music en Telegram

Hace unos días, Uloz, el sitio donde estaban almacenados algunos de los discos publicados por aquí, quedó completamente privatizado gracias al paquete de la Ley de Servicios Digitales de la Unión Europea, que con la excusa de que busca proteger a los usuarios, no es más que la misma cruzada de siempre de los imperios del mal -las corporaciones- en contra de la piratería, que como deberíamos tener en claro: la piratería es una forma de comunismo y en donde se encuentra uno de los potenciales para abolir tanto al capitalismo como a su esquema corporativo/neofeudal y el hecho de que las corporaciones sean en la actualidad feudos digitales, la piratería es aquello que los señores feudales digitales van a querer abolir a toda costa.

La cruzada contra la piratería no es nueva y empezó con la modernidad misma, cuando se crearon mañosamente las leyes de "propiedad intelectual" y "derechos de autor", que lejos de haberse creado para realmente proteger el trabajo intelectual, más bien se crearon con un fin coercitivo, es decir, de censurar a las voces críticas a cambio de "protección", no obstante, la piratería encontró una forma de hacerse y distribuirse con el surgimiento de los "bootlegs", que generalmente eran grabaciones inéditas o en vivo de grupos populares que no estaban oficialmente disponibles, igualmente en la URSS, existieron los discos grabados en radiografías, como forma de escuchar lo que venía del occidente ante el veto del gobierno a la música occidental, pero la cosa no termina ahí, con la era digital, la piratería encontró la forma de distribuirse de manera mucho más general, ya fuese con el CD o por vía del Internet, de ahí empezaron a surgir las primeras plataformas P2P, entre ellas Napster, que se vió envuelta en una enorme polémica gracias a la desafortunada demanda de Mierdallica hacia la plataforma por haber filtrado un demo de una canción suya y así, Lars Ulrich quedó como un idiota útil de las corporaciones y su cacería de brujas, después el tipo tuvo que retractarse y ver con mejores ojos a las descargas gratuitas de música, pero el daño ya estaba hecho.

Desde finales del 2011, se habló sobre un proyecto de ley llamado Stop Online Piracy Act o más conocido como SOPA, que a pesar de que fue rechazado en el Congreso de Estados Unidos, sí trajo consecuencias catastróficas para la piratería en Internet y es que en Enero del 2012, el FBI cerró Megaupload y gracias a esto, muchos sitios como FileServe, FileSonic, Hotfile, entre otros, también tuvieron que cerrar sus puertas, por lo que inevitablemente, muchos blogs también desaparecieron, ya fuese porque el gobierno gringo los denunció para que los cerraran o porque muchos vieron a los blogs como algo inviable frente a la censura impuesta por el congreso gringo, y esto está lejos de terminar, pues dos trampas que tuvieron que hacer muchos sitios de alojamiento de archivos fue convertirse en almacenamientos en la "nube" y por lo tanto, tuvieron que adoptar un esquema feudal para que los usuarios tengan que pagar con el fin de tener mayor espacio y de que sus archivos no sean borrados en un límite de tiempo, y la otra que hicieron fue crear a las plataformas de streaming como Spotify, Deezer, Tidal, Amazon Music, Apple Music y demás, en donde también existe un esquema feudal de tener que pagar una renta mensual por disfrutar de sus servicios de mierda.

OutsideInside Music se las ha visto negras desde ese invierno del 2012, ha cambiado una infinidad de veces de sitios de alojamiento, y otra vez se repite la misma historia, por lo que he tenido que buscar nuevos sitios, y a pesar de que he encontrado unos cuantos, la incertidumbre sobre si esos sitios van a mantenerse activos y si no sucumben a la presión de las corporaciones y las industrias sigue intacta, por lo que he decidido abrir un canal de Telegram y ahí he empezado a compartir contenido, no obstante, para poder bajarlo, van a tener que registrarse en Telegram, descargar la aplicación en sus respectivos y después unirse al canal para recibir las actualizaciones, ya que en estos días estaré subiendo bastante contenido.

22 nov 2022

Quicksilver Messenger Service - Quicksilver Messenger Service (1968)

 
Muy buenos días tengan, camaradas, antes de empezar la reseña, debo avisarles que he decidido inaugurar una extensión en Wix de este blog, la cual estaré actualizando, si no me agarra la flojera, semanalmente y los posts que estén allá, también estarán aquí, ya que este blog tiene bastantes años funcionando y pues siendo que ustedes ya están familiarizados con esta versión de Blogger, pues por ahora lo manejaré así, ya después, posiblemente empiece a publicar otras cosas allá y otras acá, aunque no estoy tan seguro, ya que le veo mucho potencial a Wix, ya que me está pareciendo que su interfaz es igual de amigable que la de Blogger, pero tiene bastantes más y mejores funciones, lo que me está empujando a seguir con Wix, no obstante, con lo que sí tengo dudas es de volver a activar la versión de Wordpress, por su interfaz asquerosamente compleja y su nula flexibilidad en cuanto al diseño de las plantillas, pero si gustan que vuelva, díganmelo en los comentarios.

Sin más que agregar por el momento, comencemos:

Antes de pasar a la historia del grupo, debo platicarles cómo es que descubrí a Quicksilver Messenger Service y resulta ser que la primera vez que escuché algo de su música fue por allá en el 2008, cuando compré un DVD recopilatorio en el tianguis de Tepito de puros grupos californianos, el cual recuerdo que tenía una bonita portada psicodélica y ahí venían un par de canciones de Quicksilver en directo, grabadas en Julio de 1971, cuando el Fillmore West cerró sus puertas para siempre, y esta alineación NO era la clásica, sino una de las alineaciones que encabezaban el guitarrista Gary Duncan y el cantautor Dino Valenti, no obstante, les perdí la pista, aunque no se me olvidaba el nombre del grupo, porque lo solía ver mencionado en posters psicodélicos y en la bibliografía especializada en rock, y fue hasta fines del verano del 2010, cuando opté por buscar sus discos en estudio y la verdad es que no tenía ni la menor idea de qué me iba a encontrar en sus discos, yo lo único que sabía es que Quicksilver Messenger Service era uno de los grupos especializados en el rock psicodélico, particularmente en su variante más viajada y enfocada en los jams, bautizada por el gran Ken Kesey y sus Merry Pranksters como "rock ácido", y desde ese preciso instante que escuché sus primeros dos discos, me empecé a volver fan del grupo y es que uno de los motivos por los que encontré tan fácil escuchar su música era porque ya tenía una buena experiencia escuchando a grupos mexicanos como la Revolución de Emiliano Zapata, el Ritual y los Dug Dug's, que en algún momento, hicieron material de corte similar al de Quicksilver y un tema que particularmente me atrapó fue The Fool, jam de más de 12 minutos del que ya hablaremos más adelante.

En Febrero de 1964, un acontecimiento que cambiaría para siempre el curso de la música popular fue que los Beatles se presentaran en el show de Ed Sullivan en Nueva York, Estados Unidos y los jóvenes músicos gringos que apenas estaban llevando a flote sus carreras solistas como cantautores de folk acústico al tocar en mítines y en universidades de corte izquierdista, enseguida sintieron como los Beatles cambiaron las coordenadas de la música popular, como si se tratara de una especie de repetición de la revolución de Octubre y dos de estos jóvenes músicos -los cuales no se conocían, al parecer- que enseguida entendieron que el futuro estaba en el rock fueron Chet Powers (alias: Dino Valenti) y David Freiberg, y fue Dino Valenti, oriundo de Chicago, Illinois, que al haber estado activo en San Francisco, California, se hizo amigo de un joven guitarrista que llevaba años en el mundo del rock, pero que no la había podido hacer y tenía que vivir en un coche destartalado en el que vendía collares artesanales creados por él mismo, su nombre: John Cipollina, y la idea que Dino tenía en mente cuando formó el grupo era que iba a ser un grupo de rock con guitarras inalámbricas diseñadas para sostener las guitarras, mientras que también iban a tener toda una sección rítmica conformada por mujeres vestidas como indias, cosa que le interesó no solo a John, sino que también a Skip Spence (quien después se convertiría en el primer baterista de Jefferson Airplane y en uno de los guitarristas de Moby Grape), al cantautor David Freiberg y al guitarrista Gary Duncan -quien había estado en el grupo de garage rock The Brogues-, sin embargo, al día siguiente de comentarle la idea a John Cipollina, Dino fue arrestado por posesión de marihuana y la alineación de ese grupo apenas estaba tomando forma cuando Skip Spence y David Freiberg -un viejo amigo de Dino- se unieron y poco después también se uniría Gary Duncan, no obstante, al grupo le faltaba un baterista y por recomendación de Marty Balin, quien era dueño de The Matrix, el club donde ensayaban, le sugirió a Skip Spence pasarse a la batería, aunque al parecer, no duró mucho tiempo como baterista y fue suplido por Greg Elmore -un viejo compañero de Gary Duncan en The Brogues- y pronto también se uniría el guitarrista rítmico Jim Murray -un viejo conocido de John Cipollina-, por lo que la alineación original de Quicksilver Messenger Service quedaría bien formada y el grupo debutaría en Diciembre de ese mismo año en la fiesta de navidad del grupo de comedia The Committee, sin embargo, aún les faltaba algo: Tener un nombre y en una reunión surgió su peculiar nombre en un ejercicio creativo en el que se vió involucrada la astrología:

A Jim Murray y David Freiberg se les ocurrió el nombre. Yo y Freiberg habíamos nacido el mismo día (24 de Agosto), Gary y Greg habían nacido el mismo día (4 de Septiembre) y Murray era Géminis. Tanto los Virgo como los Géminis son regidos por Mercurio, y otro nombre de Mercurio (en Inglés) es "Quicksilver". Entonces, Mercurio es el mensajero de los dioses y Virgo es el sirviente, así que Freiberg dijo: «Oh, Quicksilver Messenger Service»

-John Cipollina

Y así, Quicksilver Messenger Service se convirtió en uno de los grupos más populares y más importantes de la naciente escena de San Francisco, la cual se caracterizó por mezclar sus influencias provenientes del rock and roll, el blues, el folk y el jazz dentro de un contexto influenciado por la contracultura creada por los beatniks y el consumo de sustancias psicodélicas como el LSD y la marihuana, y entre sus exponentes más importantes, se encontraban también The Charlatans, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Moby Grape, Big Brother & The Holding Company, Country Joe & The Fish, entre otros, por lo que Quicksilver Messenger Service se volvió en uno de los grupos más recurrentes en los recién creados recintos musicales como el Carousel Ballroom (luego transformado al Fillmore West), el Avalon Ballroom, el Winterland y The Matrix, lugares en los que se acompañaba a la música del grupo con baile y con un show de luces psicodélicas, así como también la publicidad estaba basada en un Art Nouveau visto desde una perspectiva de los viajes de ácido, y tan importantes fueron, que los invitaron a tocar en el Festival Internacional de Pop de Monterey, celebrado en Junio de 1967, justo para darle la bienvenida al "Verano del Amor". En ese mismo año, Jim Murray decidió salirse del grupo para irse a la India a estudiar cítara, por lo que el grupo quedó reducido a cuarteto y algo que le faltaba a la banda para triunfar era un disco, por lo que se vieron finalmente obligados a firmar un contrato con Capitol Records y comenzarían a grabar lo que sería su primer álbum a fines de 1967, completándolo a principios de año y saliendo al mercado en la primavera de 1968, no obstante, el grupo ya había grabado un par de temas para el soundtrack de la película Revolution, el cual fue editado por United Artists.

Se podría decir que Quicksilver Messenger Service es el arquetípico disco de rock ácido sanfranciscano, sin embargo, lo que lo hace distinto a otros discos de la misma escena es que mientras Jefferson Airplane y Big Brother & The Holding Company le apostaron a una versión más "domesticada" o "estandarizada" al adaptar sus canciones a la duración estándar y al escribir canciones con estribillos más o menos pegajosos que acercaban a ambos grupos al pop, así como Grateful Dead podían desenvolverse en unos jams de corte muy experimental y que podían acercarse a la música concreta por momentos, Quicksilver Messenger Service solían tener una muy marcada influencia del blues, el jazz y el flamenco, por lo que sus canciones están cubiertas con un aura mística y algo dramática que evocan siempre tanto a las películas del Spaghetti Western como a la arquitectura medieval española, todo esto bajo el influjo de las drogas psicodélicas, igualmente algo que debo mencionar es que los jams de Quicksilver Messenger Service, en comparación con los de Grateful Dead, estaban altamente planeados, es decir, eran casi composiciones.

El disco abre con Pride of Man, una vieja canción de protesta del cantautor Hamilton Camp, que bajo sus metáforas de corte bíblico esconde un mensaje en contra de la guerra y las armas nucleares, y el hecho de que Quicksilver la incluyeran en su primer disco se remonta al hecho de que David Freiberg la solía tocar cuando él aún era un cantante de folk, y Quicksilver Messenger Service supieron darle un tratamiento psicodélico que curiosamente también incluye algunos discretos arreglos de metales muy en la línea de Electric Flag, las excelentes y dramáticas armonías vocales de David Freiberg (baritenor) y Gary Duncan (tenor dramático), la siempre precisa y cuadrada batería de Greg Elmore y por supuesto, la esplendorosa y lisérgica Gibson SG de John Cipollina. Temazo de pies a cabeza.

Le sigue Light Your Windows, una composición propia de David y Gary, que sigue la misma tendencia de ese rock ácido de corte dramático que el corte anterior, aunque esta vez con más influencia del jazz, y de nuevo, todos los integrantes destacan en lo que mejor saben hacer. Espléndido.

Dino's Song es como dice el título, una composición de Dino Valenti (quien cabe mencionar, también fue el compositor del himno hippie Let's Get Together, versionado por una infinidad de grupos y artistas, entre ellos Jefferson Airplane, los Youngbloods y The Yankee Dollar) y es la canción que rompe con el dramatismo de las canciones anteriores y le trae una parte de alegría hippie algo popera al disco, que algo que me extraña es que no la eligieran como tema del primer sencillo del grupo, ya que curiosamente, suena bastante "comercial" y tenía todo para volverse como mínimo, un éxito mediano que pudo haber entrado a las listas de popularidad, pero bueno. Esta canción la interpretaron también en el Festival de Monterey en Junio de 1967, por lo que fue una excelente inclusión en el disco, teniendo en cuenta que tenía menos de un año que el grupo había estado en dicho festival. Excelente.

Y por fin llegamos al primer jam del disco, Gold and Silver, que muestra a un Quicksilver en una faceta más jazzística e influenciada por Dave Brubeck y su icónica Take Five, aunque cabe destacar que tampoco se olvidan de su característico sello psicodélico y rocanrolero que queda patente en los solos de Gary Duncan y John Cipollina que van avanzando a lo largo de la canción, y es con este tema que dejan bien en claro el motivo por el que sus presentaciones en directo eran tan aclamadas y amadas por los hippies. Obra maestra.

It's Been Too Long es de nuevo, rock ácido alegre con una estructura de blues, compuesto por el gran Nick Gravenites, aunque atribuida al representante del grupo Ron Polte por razones contractuales, en donde de nuevo, David Freiberg y Gary Duncan se lucen por sus armonías vocales, Greg Elmore por tocar siempre cuadrado y preciso y John Cipollina con sus arreglos y solos psicodélicos que lo posicionaron como uno de los mejores guitarristas de la escena sanfranciscana y también, como uno de los guitarristas de rock más injustamente olvidados de los 60's. Espléndido.

Por fin hemos llegado al final del disco, que no podía cerrar de mejor manera que con un jam de más de 12 minutos que se titula The Fool, y es aquí donde Quicksilver nos muestran que no simplemente era grandes instrumentistas, sino, grandes improvisadores de una mentalidad altamente psicodélica que lograron mezclar de manera elegante y magistral, lo viajado y lo atmosférico con lo refinado, lo dramático, lo sesudo y lo épico, que curiosamente, esto último es la mejor descripción que encontré para esta magistral obra en la que convergen las influencias del flamenco y de los soundtracks de Ennio Morricone bajo la estética del rock ácido más guitarrero, el cual está comandado por las guitarras de Gary (primera parte) y John (segunda parte), así como también Greg Elmore demuestra ser capaz de hacer patrones rítmicos complejos pero siempre sólidos y precisos sin caer en excesos patéticos, así como también algo a destacar es que David suena muy arabesco en su interpretación vocal y por supuesto, no podemos olvidarnos de la rica instrumentación que tiene este tema, el cual incluye piano, guitarras acústicas, panderos, coros femeninos y un solo de viola tocado por David Freiberg. Y así finaliza uno de los mejores discos de los 60's, con una verdadera joya olvidada. Obra maestra de principio a fin.

P.D. Algo que olvidé mencionar es que este disco había sido publicado por primera vez en el blog en Enero del 2011 junto a la mayor parte de la discografía del grupo, no obstante, esta es la primera vez que se publica este disco en un formato sin pérdidas por aquí.

21 sept 2022

Bob Smith - The Visit (1970)

 
Muy buenas tardes tengan todos ustedes, antes de comenzar, quisiera hablar sobre el blog y el regreso que ocurrió hace 2 semanas, pues resultó ser que las visitas en el post de Farm no fueron las esperadas en la primera semana, sin embargo, eso no me hizo cambiar de planes con respecto a la actividad del blog, pues entiendo que el simple hecho de que estuvo inactivo durante 11 meses también influyó en ello, pero bueno, no es la primera vez que me ausento durante casi un año, de hecho, desde enero del 2012, cuando el gobierno gringo logró tirar a MegaUpload, la actividad del blog ha sido muy esporádica y errante, y el intento de regresar a la actividad del año pasado, terminó abruptamente el 9 de Octubre y eso hizo que muchos discos que tenía en mente para reseñarlos, quedaran pendientes de reseñar, por lo que el especial de los 50 años de Avándaro en realidad no ha terminado, aunque ahora ya no funcionará como especial, sino que iré publicando los discos posteriormente, ya que muchos de esos álbumes no los he vuelto a escuchar desde hace mucho tiempo y la forma tanto en la que escucho la música como en la que hago mis reseñas es muy distinta a la que tenía en mi adolescencia, pues en aquel entonces, en la época entre cuando inicié el blog en el 2009 y me retiré por un tiempo en el 2013, fueron años de mucho aprendizaje y producción de reseñas, pero lamentablemente me atrevo a decir que no fueron años de mucha calidad que digamos y es que en esa época de mi vida, la costumbre que tenía era la de descargar discos a lo bestia y hacer largas sesiones de escucha de discos, y esto me ayudó mucho, a que por ejemplo, durante el periodo que conformó de Agosto del 2010 a Abril del 2011, el blog tuviera su época más activa y prolífica, sin embargo, lo que critico de esa época es que a pesar de mis escuchar largas de música en la que solía escuchar como 6 discos al día y luego entre esos 6, podía elegir como 4 o 5, para subirlos en la noche y hacer, por lo general, unas reseñas que no solo pecaban por su brevedad, sino por la mala redacción y porque en aquel entonces solía tener opiniones bastante bobaliconas y poco informadas, esas escuchas no fueron lo suficientemente buenas, lamentablemente, pues a pesar de tener el tiempo y la paciencia para pasármela escuchando música sin parar, yo no tenía los recursos teóricos, críticos y de apreciación musical suficientes y también mi redacción era una porquería, no solo por las faltas ortográficas, sino porque además de que mis opiniones eran bastante elementables y subjetivistas, solía recurrir mucho al léxico y a la jerga de mi país (México) -más conocido como "Caliche" o "Caló"- por lo que era común encontrarse con leperadas y otras palabras por el estilo en mis reseñas, y por si no fuera poco, en aquel entonces, al ser un adolescente idiota, también fui demasiado influenciable por las opiniones de otros bloggeros y de la gente con la que me llevaba en aquel entonces, cosa que fue también desastrosa, porque lamentablemente tuve un periodo en el que mis reseñas fueron peores que nunca, ya que en ese momento particular (2011-12) fui muy influenciable por la gente con la que me juntaba, por lo que adquirí ciertas costumbres que fueron más que nada un detrimento creativo en mis reseñas y selección de discos para publicar, cosa que al final terminé agradeciendo, porque su influencia significó un obstáculo creativo y un breve momento de decadencia de este blog y eso hizo que terminara regresando a lo que había dejado inconcluso en el verano del 2011, y a pesar de que ahí fui produciendo cada vez menos reseñas e incluso decidí tomarme un descanso a finales de ese año (2013), mis reseñas empezaron a mejorar y para el 2014 cada vez eran mejores, porque estaban más documentadas y más pensadas y con el paso del tiempo, esas mejorías han ido mejorando también, pues dos cosas que me ayudaron muchísimo fueron que empecé a leer más filosofía -particularmente teoría crítica marxista/hegeliana y psicoanálisis lacaniano- y que empecé a juntarme con gente que pudo aclararme mis propias opiniones sobre la música, y estas mejorías pues también estuvieron acompañadas de cambios en mi vida que me impidieron estar escuchando música todo el tiempo y organizar mejor mis horas de sesiones de escucha de discos, igualmente, algo que sucedió fue que en este proceso tuve que escuchar la música con mucho más detenimiento y en este, hacer un mayor esfuerzo intelectual para entenderla, por lo que mis reseñas ya no pueden ser tan breves, por el contrario, tienen que ser largas y para eso no solo tengo que estar muy inspirado, sino que también es un constante combate conmigo mismo, porque siempre lo que busco es algo que me satisfasca y eso es bastante complicado, es por eso que me tengo que tardar con las reseñas, porque tengo que hacer unas escuchas detalladas y una reseña que me convenza.

Por otro lado, algo que tengo que avisarles es que el diseño del blog cambió otra vez, debido a que había tenido algunas quejas sobre el diseño anterior, que dicho sea de paso, precisamente lo hice con el fin de que los textos no se confundieran y fue por eso que el fondo, a pesar de ser psicodélico, era un fondo oscuro y el texto era blanco, pero aún así seguí recibiendo quejas, por lo que decidí poner un fondo con colores claros y el texto negro, con el fin de que las quejas pararan. Sin más que agregar, comencemos.

Antes de pasar a la parte biográfica y la reseña, quisiera hacer un comentario personal al respecto, y es que el simple hecho de querer hacer que este blog volviera a funcionar, me hizo tener que volver a revisar mi extensa colección de discos que tengo guardada en mi disco duro externo y mi computadora, por lo que me encontré con muchos álbumes que no había escuchado durante años, que tenía a medio escuchar, que no les había puesto la atención necesaria o que de plano no había escuchado para nada, y fue así, que por ejemplo, resurgió el disco de Farm, que fue un álbum que descubrí por allá en el 2013 y que me había gustado mucho por su estilo influenciado por Quicksilver Messenger Service, sin embargo, pasaron años que no lo volví a escuchar de nuevo y ahora en Julio, lo redescubrí, e igual, en Agosto y Septiembre redescubrí otros, como el debut de Moby Grape, una recopilación del grupo texano The Conqueroo y este disco de Bob Smith, el cual ya lo tenía localizado desde el 2012, si no mal recuerdo, sin embargo, nunca pude escucharlo completo, siempre había algo que me impedía hacerlo, por lo que el sábado, ya teniendo casi lista la reseña para la recopilación de The Conqueroo, me puse a escuchar The Visit una vez más y a pesar de que tampoco lo escuché completo, sino que solo escuché la mitad del álbum, quedé tan impresionado por la calidad de la música, que de última hora descarté a The Conqueroo y opté por Bob Smith, y debo decir que no es un disco tan fácil de reseñar, pues es un disco que requiere mucha atención y (aunque suene estúpidamente pretencioso esto que voy a decir) un esfuerzo intelectual importante, porque es un álbum con un material que vale muchísimo la pena de escucharse y ese es el motivo por el que me tardé un poco para publicar esto, así que sin más que decir al respecto, espero que lo disfruten mucho y ¡Buen provecho!

No hay gran información sobre Bob Smith, pero lo que sí sé, es que estuvo en numerosas agrupaciones angelinas, como The Lid, Silverskin y Laramie, aunque sin estar contento con ninguna de las bandas donde participó, decidió hacer este ambicioso proyecto solista en el que reclutó a los tecladistas Daryl "Captain Keyboard" Dragon -más conocido como "el Capitán" del grupo de pop setentero Captain and Tenille, el cual tendría algunos éxitos importantes- y Don Preston -este último, proveniente de los famosos Mothers of Invention de Frank Zappa-, al baterista John "Skip" Schneider -proveniente de Silverskin-, al bajista John Lantini, al percusionista James Curtis, al flautista Stan Keiser, al violinista Larry Chapman y al guitarrista rítmico Mike Degreve, todos ellos excelentes músicos que pudieron cumplir con lo que Bob necesitaba y así, durante 4 meses pudo por fin grabar todo lo que había estado componiendo durante 3 años consecutivos. Bob seguiría grabando demos que yo no he podido escuchar y se murió en el 2007, según Rate Your Music.

The Visit fue editado en Septiembre de 1970 por la disquera Kent, que dicho sea de paso, era una disquera dedicada exclusivamente al blues y es de ahí que se puede dar por hecho que ese fue el motivo por el que la producción de este álbum sonase tan lo-fi, pues en aquel entonces, las disqueras de blues y country de Estados Unidos, empezaron a abrir sus puertas a los grupos y/o músicos de rock, ya que vieron un potencial en entrar al mercado del rock al ver que grupos como los Doors, Jefferson Airplane, Cream, Hendrix, entre otros, estaban arrasando en las listas de popularidad y los jóvenes inspirados por estos grupos, formaban a los propios que también tocaban psicodelia, sin embargo, mientras que en las disqueras grandes como EMI, Capitol, RCA, Reprise, Atlantic, ABC, MGM, entre otras, tenían la última tecnología en sus estudios de grabación para grabar toda la música que pudieran, pero los estudios de grabación de blues y country, seguían teniendo una tecnología algo atrasada y los productores tampoco tenían mucha idea de cómo hacer un disco de rock, por lo que la mayor parte de los intentos de estas disqueras por hacer álbumes de rock, tuvieron una producción bastante lo-fi en comparación con las de las disqueras grandes y con las locales que se dedicaron al rock.

The Visit es un álbum ambicioso, novedoso, distintivo, creativo, melódico, cerebral, etéreo, atmosférico, cinematográfico, ecléctico y muy, pero muy psicodélico, en el que convergen de una manera única el rock ácido, el pop psicodélico, el pop barroco, el heavy psych, el folk psicodélico, el blues, el jazz, el rock "latino", la música tribal y el raga rock a través de una instrumentación muy poco usual para la psicodelia gringa, pues además de tener los típicos instrumentos de rock (guitarra, batería, bajo y órgano), hay vibráfono, sintetizador Moog, melotrón, congas, flauta, violín y cítara eléctrica, todo ello acompañado con la voz de tenor y la lisérgica guitarra de Bob Smith, cosas que no solo lo hacen estar adelantado a su tiempo en cierto sentido, sino que muestra que la ambición de Bob no era presumir de virtuosismo alguno, sino que todo aquí es usado como vehículo creativo y eso es lo que hace de The Visit una de las obras maestras perdidas de la psicodelia gringa.

El disco comienza con Please, un tema que combina el estilo doorsiano con algunos tintes de heavy psych, pues por un lado tenemos un clavicémbalo muy a la Ray Manzarek, un batería que recuerda a John Densmore por su precisión jazzera y también la forma en la que canta aquí Bob Smith me suena un tanto morrisoniana, sin embargo, también retiene su propia identidad por medio de unos coros muy etéreos, casi celestiales y una guitarra que por momentos suena cercana al heavy psych por su inclusión de fuzz y wah-wah, aunque en el solo termina sonando más a los solos arpegiados de Robby Krieger. Por otro lado, a pesar de no ser la mejor canción del disco, es una excelente manera de abrirlo.

Don't Tell Lady Tonight tiene un comienzo muy a la Fifty Foot Hose o The United States of America pero no nos engañemos, pues se trata de un tema de heavy psych que combina partes más suaves con otras más pesadas y algunas partes más atmosféricas, así como un ácido solo de guitarra con fuzz y wah-wah que curiosamente me recuerda a Martin Weaver de Wicked Lady y Dark, aunque sin la parte depresiva de este, igualmente la voz de Bob Smith tiene aquí mucha reminiscencia de Arthur Lee. Excelente.

Constructive Critique, a pesar de sus bobalicones título y letra, musicalmente es un excelente tema que parece un cruce entre los enormes Ill Wind, los texanos Cold Sun y los neoyorkinos Banchee, pues por un lado tenemos ese sabor a la "costa oeste", lo atmosférico de texas y la parte alegre de Ill Wind que se nota particularmente en el solo, que me recuerda muchísimo al gran Ken Frankel. Temazo.

Llega Ocean Song, un tema de jazz psicodélico pausado, místico, etéreo y atmosférico que incluye un bajo gordo, una batería muy sutil, una guitarra fuzzeada con reminiscencias kriegerianas, un vibráfono y poesía recitada por Bob Smith muy en plan Jim Morrison o Bob Bryden. La música es viajada, flotante y cinematográfica, acompañada de sonidos de olas. Por momentos, me pregunto si el supergrupo de grunge Mad Season no tomó influencia de Bob Smith en Wake Up de su único disco Above de 1996, ya que me suena mucho a él. Obra maestra.

The Wishing Song es un bello tema que comienza como una mística canción de folk psicodélico acústico que incluye la guitarra y voz de Bob, congas como percusión y un melotrón atmosférico y espacial que va acompañando toda la canción hasta que se convierte en un heavy psych que trae un bajo gordo, una batería bien firme y una guitarra con fuzz y wah-wah que suena como a un Mark Farner más cerebral y melódico, para finalmente regresar a la parte de folk y terminar abruptamente con una pequeña parte de órgano. Obra maestra.

Can You Jump Rope es otra obra maestra, esta vez con un estilo de psicodelia medio jazzeada y medio latina que recuerda a los grandes Sweetwater que pronto pasa a una parte de corte medieval para regresar a lo anterior y así dar paso a un solo de guitarra de 12 cuerdas ultra-psicodélico que además incluye wah-wah. La instrumentación también esos coros celestiales, casi monásticos y una flauta omnipresente que definitivamente le da un sabor muy mexicano a la canción, pues precisamente recuerda a grupos como los Dug Dug's y el Ritual, y fue por eso y por tener esa finura durante toda la canción que el buen Adrián Acuario -hijo de Pablo Cáncer- me dijo que este tema bien pudo haber sido firmado por Armando Nava y no puedo estar más de acuerdo.

Latter Days Matter sigue ese estilo de rock ácido medio latinizado, aunque esta vez más "rockero" en un sentido más tradicional en cuanto a la instrumentación, pues aquí no hay instrumentos poco comunes, todo es con la instrumentación típica del rock, sin embargo, hay partes de jazz muy a la Quicksilver Messenger Service y una guitarra ultra-psicodélica que trae fuzz y leslie, una excelente combinación, debo decir y que definitivamente aumenta los aspectos psicodélicos de la canción. Excelente.

Llega el tema más experimental del disco, Indian Slumber que suena entre música tribal, raga rock y psicodelia espacial muy en plan Syd Barrett -Interstellar Overdrive-, el cual incluye una percusión tribal, sintetizador Moog, guitarra eléctrica con wah-wah, vibráfono, cítara eléctrica y violín eléctrico distorsionado. La canción es muy cinematográfica y tiene reminiscencias del krautrock tipo Can, Agitation Free o Faust, pues más que sonar a la India o a algo reminiscente de la música tribal amerindia, más bien suena como si fuese un soundtrack de una película de ciencia-ficción situada en un planeta lejano que en su mayor parte es desértico pero hay una ciudad de extraterrestres tecnológicamente avanzados y si no me lo creen, tendrán que escuchar esto. Obra maestra.

Source You Blues fue posiblemente el tema por el que aceptaron a Bob Smith en la disquera Kent, pues se trata de un blues psicodélico lento que parece un cruce entre el gran Otis Rush y The Fraternity of Man, pues por un lado tenemos la parte melódica y sentimental de Otis Rush, pero también lo ácido de The Fraternity of Man -Blue Guitar-, cosa que muestra que Bob no solo era un gran compositor psicodélico y vanguardista, sino que también era capaz de hacer canciones de corte más "tradicional" sin vampirizar, ni ridiculizar ese tipo de música y eso es de reconocerse, porque eso es también parte de la grandeza de un compositor.

Sunlight Sweet empieza como un blues psicodélico folkeado semi-acústico en el que hay una guitarra con slide y un reverb que le aumenta ese efecto lisérgico, igualmente las letras son de ese tipo, para luego convertirse en raga rock. Es una mezcla extraña incluso para su época, ya que nunca he oído a ningún otro grupo hacer una mezcla de estos dos subgéneros de esta manera y es por eso que esta canción es muy distintiva y peculiar, además de ser un experimento exitoso, incluso si no es la mejor canción del disco.

Of She, Of Things es pop psicodélico que raya con el folk rock que me recuerda un tanto al Da Capo de Love por su finura muy a la Arthur Lee y Bryan McLean, pero de nuevo, Bob lleva a esta canción más allá al introducir un solo de guitarra propio del heavy psych, cosa que hace de este tema algo muy interesante y peculiar. Espléndido.

Mobeda Dandelions es heavy psych funkeado que parece un cruce entre Grand Funk y los Dug Dug's en el que podemos encontrar un solo de guitarra ultra-psicodélico muy a la Gustavo Garayzar y una flauta que inmediatamente recuerda a la de Armando Nava. Si bien este tema no es tampoco el mejor el disco, es muy pegajoso y constrata perfectamente con la canción anterior. Temazo.

The Path Does Have Forks es otro bello tema en el que convergen de manera perfecta el folk psicodélico más dulce con flauta y el heavy psych más guitarrero, pues por un lado tenemos una muy dulce y bellísima melodía que bien podría ser tocada de manera acústica o semi-acústica y por el otro, a un grupo que puede sonar todo lo pesado, guitarrero y machacante que quiera, sin necesariamente vampirizar a la parte más dulce y melódica de la canción, y de nuevo, esto es algo muy, pero muy difícil de lograr y aún así, Bob lo logró, y eso lo pone entre los compositores más impresionantes que he escuchado dentro de la psicodelia en general. Por otro lado, los ecos de los Dug Dug's y el Ritual son más que notorios, aunque me atrevo a decir que ellos nunca llegaron a tanto como Bob Smith. Otra obra maestra y una de mis canciones preferidas de todo el disco.

El disco cierra con broche de oro con Try, Try To Understand, en el que de nuevo el eclecticismo cerebral y creativo hace gala, esta vez en una combinación de rock ácido latinizado, psicodelia mística, heavy psych y algo de influencia del cool jazz, en la instrumentación encontramos aparte de la típica instrumentación de rock, esos coros místicos que son sello de Bob y el vibráfono que le da ese toque de finura y sofisticación jazzística que hace que esta canción sea un magistral cierre para un disco tan bueno.

7 sept 2022

Farm - Farm (1971)

Muy buenas tardes a todos, antes que nada, quisiera decir que espero que este regreso a la actividad bloggera sea más duradero que el del año pasado que abruptamente dejé de publicar, pero en verdad no pude concentrarme durante todo este tiempo para escribir adecuadamente y de hecho para escribir esto me ha costado mucho hacerlo, sin embargo tuve que actuar de manera leninista (es decir, de manera oportunista, como diría Slavoj Zizek), ya que por fin me llegó este disco, el cual compré desde hace tres semanas y por fin me llegó hace 2 días desde Barcelona, España, donde están ubicadas las oficinas de la disquera Guerssen, por lo que ese mismo día lo abrí, ripeé el disco, escaneé todo el arte y lo comprimí en un archivo ZIP para subirlo a la red, que por otro lado, quisiera avisar que he tenido que pagar por una cuenta premium de Mediafire, ya que me ofrecieron 2 TB de espacio por el precio de 1, y al ver que el precio era bajo en relación a otros servidores, decidí subir este disco a Mediafire aparte del ya estándar Ulozto.

Antes de pasar a hablar del grupo y su música, quisiera hablar de cómo descubrí este disco y es que resultó ser de una manera muy inesperada, pues un día vi que en la revista digital eslovena It's Psychedelic Baby, publicaron una entrevista con Gary Gordon y una reseña del disco porque lo había reeditado por primera vez la extinta Shadoks Music, por lo que decidí bajar el álbum de Rutracker y era un ripeo de una edición limitada que vendía el grupo en su página, la cual no sonaba nada mal y esa fue la única manera que tuve de escuchar al grupo desde el 2013, ahora puedo escucharlo en un mejor remaster y además, con mejor empaquetado, cosa que definitivamente me hizo querer compartirles esta pequeña y rara joyita de la psicodelia y el blues de Gringolandia, por lo que lo único que me queda decirles es que espero que disfruten tanto la reseña como el disco.

Farm se formaron en Mount Vernon, Illinois en Julio de 1969, justo cuando sucedió lo del hombre en la luna, de una manera completamente espontánea al ponerse a ensayar los guitarristas Gary Gordon y Del Herbert, el bajista Jim Elwyn, el percusionista Steve Evanchik,  y el vocalista Joe Cooper, quién solo estaría un tiempo en el grupo, luego se les uniría el tecladista Roger Greenwalt, y con la alineación ya completada, ensayando, George Leeman -amigo de Gary Gordon y Jim Elwyn- pudo presenciar uno de los primeros ensayos del grupo, por lo que decidió convertirse en su roadie, reparador de amplificadores y representante. Farm influenciados tanto por la psicodelia como por el blues, empezaron a ganarse mucha reputación en su localidad, sin embargo, lo que no acababa de cuajar dentro del grupo y sus ideas era el vocalista Joe Cooper, que en una decisión unánime, decidieron sacarlo del grupo en Mayo de 1971, cuando se trasladaron a la pequeña villa de South Pekin, localizada en Tazewell, Illinois a grabar en los estudios Golden Voice, lo que sería su único disco de larga duración que llevaría un título homónimo, el cual fue editado y distribuido de manera independiente por el grupo.

Durante las sesiones de grabación del disco, los miembros no pudieron llevar todo el equipo que usaban en sus conciertos, ya que era muy vasto y potente, por lo que los ingenieros de sonido del Golden Voice, les recomendaron grabar con un equipo reducido y de menor tamaño, ya que los amplificadores grandes son hasta la fecha, un problema enorme para grabarlos. Del Herbert llevó su Gibson SG del 67-69 y la conectó a un Fender Vibrolux Reverb de 1968 -el cual aún contenía el clásico circuito "Blackface" a pesar de la cosmética "Silverface"- en lugar de su Sunn Solos II, mientras que Gary Gordon llevó sus queridas Rickenbacker 335 y lap con su Sunn Sceptre, mientras que Jim Elwyn tocó su Gibson EB-0 de 1966 en un Sunn 200S, Roger Greenwalt tocó su Hammond M3 con su parlante Leslie y unos cuernos Wurlitzer, Steve Evanchik llevó sus congas y timbales Ludwig y sus armónicas Hohner y Mike Young su batería Ludwig.

 Finalmente, en ese mismo año, Farm tuvo la oportunidad de abrirles a Canned Heat en un concierto en el Illinois State Fair en Springfield, Illinois, el cual fue un concierto muy exitoso para Farm, pues además de entablar una relación con los miembros de Canned Heat, estos les pidieron que los acompañaran en el resto de su gira, cosa que hubiese significado éxito nacional para Farm, sin embargo, Canned Heat se separaron temporalmente y el sueño del grupo terminó abruptamente. En 1972, el grupo tuvo la oportunidad de compartir escenario de nuevo con Canned Heat en el desastroso festival de pop de Erie Canal Soda, celebrado en Bull Island en el río Wabash en el estado de Indiana, el cual terminó en disturbios como incendios, peleas y demás, por la pésima organización que tuvo, además de que no se presentaron la mayoría de los artistas anunciados, dándoles así, un fin catastrófico a los festivales de música al aire libre de los hippies y presagiando que los 60's estaban llegando a su fin (cosa que finalmente pasaría en 1973 con la llegada de la música disco, el punk, el metal, la crisis petrolera y el neoliberalismo), luego en 1973, Del Herbert perdería a un hijo recién nacido, provocando su salida de Farm y la separación del grupo, sin embargo, todos los miembros siguieron colaborando esporádicamente entre ellos y Farm tuvo también dos reuniones esporádicas, una en el 2007 y otra en el 2009. En la actualidad, Gary Gordon sigue activo en la música al tener un dúo de folk con su esposa Roberta, una pequeña disquera llamada Chord Records y una pequeña tienda de instrumentos musicales en su natal Sparta, Illinois.

Ahora sí, a hablar de la música:

Farm es un disco que en sus apenas 28 minutos de duración, podemos encontrar a un grupo con muchísimo talento que no deja espacio para rellenos descarados o excesos que conducen al aburrimiento, por el contrario, aquí lo que podemos encontrar es que el rock ácido sanfranciscano y el blues/boogie rock convergen de manera impecable en unos jams que suenan crudos, grasientos, frescos, cerebrales, melódicos, bluseros y psicodélicos en los que los instrumentos que toman más protagonismo son las guitarras de Gary Gordon y Del Herbert, los cuales tienen una alquimia muy especial que recuerda a los mejores momentos de Quicksilver Messenger Service y de los Allman Brothers, sin embargo, también estuvieron influenciados por Santana, los Beatles, Donovan, Jefferson Airplane, Grateful Dead, Canned Heat, Ten Years After, Albert King, los Who, entre otros, según cuentan sus miembros, y esto hace que su disco sea muy disfrutable a pesar de que algunos podrían quejarse de que la música de Farm suena algo anticuada para el año en el que salió su único disco y aunque de alguna manera están en lo correcto, algo que debemos tener en cuenta es que en Illinois, la psicodelia sanfranciscana aún estaba vigente, pues por ejemplo, los chicagüenses Mountain Bus sacaron su único disco Sundance en el mismo año que Farm sacó el suyo y los enormes Haymarket Square siguieron activos hasta 1973.

El álbum abre con Jungle Song, un jam instrumental de casi 8 minutos en el que se combinan de manera puntual las percusiones afro-antillanas de Santana, el blues rock de los Allman Brothers y las guitarras psicodélicas de Quicksilver Messenger Service, pues la dupla conformada por Del Herbert y Gary Gordon tienen esa química que nos recuerda a la dupla Cipollina-Duncan, es decir, su forma de improvisar no suena para nada aleatoria, sino creativa, cerebral, coherente y bien coordinada, igualmente el estilo de tocar de Gary Gordon me recuerda a lo mejor de su tocayo de apellido Duncan, cosa que se me hizo muy interesante, por lo que se puede decir que aquí Farm definitivamente pasaron la prueba sobre si son o no, una buena "jam band". Espléndido


Le sigue Let That Boy Boogie que tal y como lo dice su título, es un boogie rock muy movido, enérgico y guitarrero, pues aquí la dupla Herbert-Gordon vuelven a hacer lo que mejor saben y aquí debo decir que las influencias de los Allman Brothers, Canned Heat y Ten Years After se hacen más presentes, sin embargo, su parte psicodélica no la olvidan, pues las guitarras, a pesar de que suenan más veloces y afiladas en este tema, siguen conservando esa esencia psicodélica que caracterizaba al estilo del grupo, y debo decir que esto particularmente me recuerda a un gran grupo de Mansfield, Ohio llamado Top Drawer -del que ya he hecho una reseña por aquí-, cosa que por supuesto, me parece algo muy espléndido y es lo que hace de Let That Boy Boogie uno de mis temas preferidos del disco.

Y aquí viene mi preferida del disco, Sunshine In My Window, que como ustedes se habrán dado cuenta, empieza como un jam de rock ácido muy a la usanza de Quicksilver Messenger Service (Gold and Silver), en el que Del Herbert hace su mejor impresión de John Cipollina, sin embargo, termina convirtiéndose en una balada más lenta, que recuerda simultáneamente a Top Drawer (Song of a Sinner) y a los Allman Brothers, cosa que se les agradece mucho, pues aquí los contrastes suenan tan bien que es increíble que un grupo de adolescentes pudiera lograr algo tan bien hecho a pesar de su corta edad, mostrándonos así el potencial creativo del grupo que lamentablemente no pudieron explorar más al separarse 2 años después. Magistral.

Cottonfield Woman parece que por un momento será una canción de heavy psych, ya que el riff es muy similar al de Never In My Life de Mountain, sin embargo, el tema termina siendo un blues psicodélico muy guitarrero en el que de nuevo, noto la similitud con Top Drawer -que a pesar de que debutaron un año después, tenían unas guitarras muy similares- aunque también puedo notar que la influencia de QMS y los Allman sigue presente, aunque en menor nivel. Magistral.

El disco cierra con Statesboro Blues, un estándar del blues rural de Blind Willie McTell que inmortalizaría por primera vez el gran Taj Mahal en 1968 y que luego de ahí, pasaría a ser un tema grabado tanto por los Allman Brothers como por Farm, y aquí el grupo se olvida por un momento de la psicodelia para meterse de lleno al boogie y es aquí donde Gary Gordon se luce particularmente con su excelente guitarra lap con slide, recordando así no solo a los Allman, sino que también recuerda a los mejores momentos de Canned Heat, al Devil's Kitchen (uno de los grupos olvidados del sonido de San Francisco) y a los grupos de pub rock británicos de la misma época, por lo que lo único que me queda decir es que es una forma impresionante de cerrar un disco tan corto y tan agradable.

¡Buen provecho!